Artistas colombianos menores de 30 para seguirles la pista

¿Le interesa el arte contemporáneo? ¿Quiere saber en qué están los jóvenes artistas colombianos? A partir de hoy, cada semana les presentamos un artista plástico colombiano menor de 30 años a quien todos deberíamos tener en el radar.

¿Es posible tener una carrera en artes plásticas antes de los 30 años? Los artistas colombianos que presentamos en esta lista están empezando a recorrer el camino, pero ya tienen en su hoja de vida algunas muestras colectivas, exposiciones individuales y residencias que dan cuenta de carreras que se van consolidando en la búsqueda de un espacio en el competido entorno de arte contemporáneo.

Estos jóvenes artistas tienen diversas fuentes de inspiración y orígenes, pero todos coinciden en su afán por encontrar un lenguaje propio dentro de disciplinas tan diversas como la pintura, la instalación, el video, el trabajo de archivo o el diseño. Algunos siguen estudiando en la universidad, mientras otros hacen malabares para ganarse la vida mientras producen obra; unos ya cuentan con algún reconocimiento internacional, mientras otros hasta ahora empiezan a hacerse conocer por galeristas, coleccionistas y curadores.

Y ojo: si usted también es un artista joven y quiere darle un impulso a su carrera, postúlese al Premio Arte Joven Colsanitas Embajada de España de este año, que está buenísimo.

Valentina Cuervo
(Huila, 1993)

Está terminando su carrera en artes plásticas de la Universidad de los Andes y se graduó de diseño en la misma institución. Valentina Cuervo ha participado en exposiciones de Bogotá como “Gente de color” en Espacio Odeón (2016) o “Where is my name” en la Galería Neebex (2018).

Le interesa resaltar el rol de la mujer en el medio artístico y en la sociedad en general, para ella es esencial la presencia femenina en su obra. Por otro lado, no le gusta casarse con un sólo medio de trabajo, le gusta experimentar con nuevos materiales y soportes: pintura en óleo, acrílico, grabado, fotografía, dibujo o cerámica. Para ella lo fundamental en su trabajo es el color y la luz.

Además de las obras bidimensionales o escultóricas que presenta, La Cuervo tiene varios trabajos como muralista. Ha desarrollado proyectos de grandes escalas y en lugares públicos en diferentes espacios del país e internacionalmente, como “Musas de inspiración” en California, Estados Unidos (2017) o “Bosque de color” en Pereira, Colombia (2018).

Nicolás Vizcaíno
(Bogotá, 1991 )

Vizcaíno interviene espacios públicos o privados con un video, una cortina de chaquiras, una escultura de tela rellena de espuma, una pintura en acrílico sobre tela, dibujos digitales impresos, luces de neón rojas o blancas, colchonetas verdes, aros de colores o tapizando un espacio con metros de plástico transparente. Por lo general sumerge al espectador en una atmósfera particular donde se pregunta sobre la cultura afro, el modus operandi de las instituciones o el desplazamiento forzado en Colombia.

Se graduó de Artes Plásticas, con un proyecto de grado meritorio, y de Ciencias Políticas de la Universidad de los Andes, donde actualmente cursa una maestría en Historia. En el 2016 recibió el Premio Programa Residencias Artísticas Cooperartes de Bogotá y un año más tarde la primera mención de honor en la convocatoria de Creación para Artistas Jóvenes del Ministerio de Cultura de Colombia. En el 2018 recibió la beca de excelencia para financiar una investigación por parte de la Escuela de Posgrados de la Facultad Ciencias Sociales de la Universidad de los Andes.

Ha participado en exposiciones colectivas como en la EVA Bienal Internacional en Limerick en Irlanda (2018), “Dysfunctional Formulas of Love” en The Box Gallery (Los Ángeles, 2017) y exposiciones individuales como “Abrecaminos” en la Galería Valenzuela Klenner (2018) y “Cabezas calientes, ánimos templados y tierras frías” con Paraíso Bajo (2017).

William Torres
(Bogotá, 1993 )

Torres reutiliza la información que aparece en los medios de comunicación, sobre todo en los noticieros de los canales nacionales, para darle cuerpo a su obra. Busca analizar y observar la veracidad de las noticias, la manera en que se narran, cómo las reciclan o las cambian, el impacto que pueden tener en los espectadores o que tienen en él mismo.

Se apropia de fotografías y documentos para producir nuevos contenidos o crear narrativas alternas. A través de la fotografía análoga y el grabado oculta, distorsiona o interviene el mensaje propuesto por el canal televisivo, la revista o el periódico.

Torres estudió diseño gráfico en la Corporación Universitaria UNITEC y artes plásticas en la universidad El Bosque, donde actualmente es el encargado de los talleres de producción gráfica. Ha participado en exposiciones colectivas como “El fin de la excepción humana” en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (2016), en el año 2017 participó en “Esto no es un juego” de SGR galería y en la 18 Biennale Internationale de la Gravure de Sarcelles (Francia).

Santiago Díaz Escamila
(Bogotá, 1992 )

Se graduó de artes visuales en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá y recibió la Mención de Honor al trabajo de grado con su proyecto “Sedimento” (2015). Un año más tarde fue seleccionado por la artista Joan Jonas para una residencia de la Fundación Botín (España), en el 2017 recibió la Beca Tutor CONSCAR del programa escuela FLORA ars + natura, y en el 2018 la beca LABVERDE para la residencia Artístico de Inmersión en la Amazonía, Brasil.

En el 2017 tuvo la exposición individual “¿Qué piensa de mí aquello que observo?” en la galería 12:00 en Bogotá y ha participado en muestras colectivas como “Háganlo mientras sean jóvenes” en la sección Artecámara de la Feria Internacional de Arte de Bogotá (2017), “Colômbia Afora” en la Oficina Cultural Oswald de Andrade en Brasil (2017), “KINO B. Kolumbialaisen Videotaiteen Screening/Colombian Video Art Screening” en B-galleria (Finlandia, 2015), entre otras.

La exploración matérica de Díaz ahonda en la relación que el ser humano y la naturaleza tejen conjuntamente. Le interesa examinar concepciones de paisaje, fenómenos y procesos geológicos y el lugar que ocupan estas dinámicas en nuestra manera de reconocer y experimentar el mundo que habitamos. Trabaja desde una arqueología personal que opera desde lo universal a lo individual, un proceso deductivo en el que sustrae apartes de un gran compendio para ir decantándolos por medio de su experiencia personal.

Guadalupe Errázuriz
(Bogotá, 1991)

Su obra es efímera y refleja una sensibilidad hacia el paso del tiempo y el ciclo de la vida. Por ejemplo, fotografiar durante meses el nacimiento de la planta de una lenteja y de un garbanzo, contemplar cómo es que la primera se convierte en enredadera y la segunda es peludita. O asumir que todo tiene un fin, y proponer una pequeña instalación para las plantas de brócoli secas. Errázuriz también se pregunta sobre asuntos cotidianos como la acción de ir a mercar construyendo un invernadero o sobre reacciones climáticas, entonces registra en video el vapor de agua y fotografía unos vidrios empañados.

Guadalupe Errázuriz se graduó como artista plástica de la Universidad Nacional en el 2016. Ese mismo año tomó el curso “Tintorería Ecológica” en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo y en el 2017 participó en el Encuentro Internacional de Fotografía “Fotográfica Bogotá” de FOTOMUSEO.

Participó en la exposición colectiva “34 Muestra de trabajos de grado Gustavo Zalamea” en la Universidad Nacional de Colombia y en el 2018 tuvo la muestra individual “Energía y trabajo” curada por Paraíso Bajo.

Pablo Lazala
(Bogotá, 1992)

En el 2015 se graduó de artes plásticas, con mención meritoria, en la Universidad de los Andes de Bogotá. En estos momentos está terminando arquitectura en la misma institución, una disciplina que sin duda atraviesa el cuerpo de su trabajo artístico.

Lazala se plantea preguntas sobre lo público y lo social, con cierto humor, a través de esculturas. Le interesa, por ejemplo, romper con recorridos preestablecidos y jugar con objetos urbanos o arquitectónicos. Una vez reprodujo unos bolardos metálicos de color gris que acomodó en la mitad de la calle interrumpiendo el paso de un Transmilenio, otros en la entrada del Museo Nacional entorpeciendo el ingreso del público y uno en la salida de un rodadero inhabilitando el juego. Para otra obra, llenó una sala de exposición con columnas blancas resignificando la utilidad de este elemento y, en otra oportunidad, hizo tres piedras que presentó en unos pedestales y que produjo tomando como molde tres huecos de las calles de Bogotá.

Ha participado en las exposiciones colectivas “Posiciones de emergencia” en la sala El Parqueadero del Museo del Banco de la República (2012), “Vecindades” en la galería Santa Fe (2014), “Ley de rendimientos decrecientes” del Ciclo Prisma (programa Artbo) en la sede de Chapinero (2015) y en el 2017 tuvo la muestra individual “Corrección de stîlos” en el espacio Más Allá.

Francy Jiménez
(Bogotá, 1993)

En el 2016 terminó artes visuales en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá y un año más tarde, en la misma institución, inició su diplomado en “Acción humanitaria, postconflicto y construcción de cultura de paz”.

Los referentes que atraviesan su obra están en el cine, la literatura e investigaciones sobre el conflicto armado en Colombia. Jiménez propone distintas lecturas sobre la historia del país, cuestiona la educación a través de dibujos y diagramas sobre papel cuadriculado, interviene archivos con dibujos, cambia los pies de fotos descriptivos de paisajes por relatos de ficción, también recurre al grabado o al video para preguntarse sobre el territorio, la memoria y los rastros de la guerra.

En el 2017, tuvo su primera exposición individual “Historia del [FIN] de la guerra” en el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación. Participó en las muestras colectivas “En el corazón de los Andes” en la galería Espacio El Dorado (2017) y “Teorías del paisaje en Montes de María” en el Segundo Salón Universitario de Fotografía de Plataforma Bogotá en la Gilberto Alzate Avendaño (2016).

Alberto Miani
(Bogotá, 1991)

Se graduó de la Universidad de los Andes como artista plástico con el reconocimiento de tesis meritoria por su trabajo El mito de la razón y el proyecto de grado cum laude en diseño Nothing Centered Design. En el 2017 recibió el premio DIEZ Y 7 a mejor obra en papel por la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Swab, en Barcelona (España).

Ese mismo año, Alberto Miani participó en exposiciones individuales y colectivas como “El ruido del tiempo”, en SGR galería; “Las zonas muertas de la imaginación”, en la galería Valenzuela Klenner, “The Fan Flavins”, en Espacio Odeón, y “Reproducibles”, en el Museo de Arte de Pereira, entre otras.

Para trabajar busca primero desarrollar una idea y luego pensar cómo funcionará mejor: con dibujos sobre papel milimetrado, un registro de su obra en video, una escultura de cera o cerámica, o una pintura en óleo sobre madera. Su obra puede ser algo críptica y repetitiva porque busca redefinir objetos a partir de diversos contextos históricos, filosóficos o artísticos. Por ahora concentra su búsqueda en la silla como un ejemplo para hablar de jerarquía, alienación, funcionalidad, lenguajes y estructuras.

 

Marcela Calderón
(Pasto, 1991)

Le interesa la estructura de un panal de abejas, bosqueja con miel, construye con vilanos de diente de león, dibuja una y otra vez el cáliz de una uchuva. Recoge semillas, hojas secas o palos en la calle o en parques para clasificarlos en su taller, observarlos, dibujarlos y entender su carácter efímero. El trabajo de Marcela Calderón es silencioso, delicado y minucioso, parece conducirnos hacia una suerte de meditación.

En el 2015 terminó su carrera en artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, un año más tarde hizo la residencia de la escuela Flora ars+natura gracias a la beca CONSCAR y recibió la Beca Red Galería Santa Fe.

Calderón ha participado en exposiciones colectivas como “Mejores trabajos de grado” con su proyecto Dejar ir en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (2015),  “Ciclo Prisma ATLAS #3 Topografías de Archipiélago” del programa Artbo en la sede de Chapinero (2016), “Lenguajes en papel” en la galería El Museo (2017) y, en el 2018, tuvo la muestra individual “Mínimo” en la sala de proyectos de la Universidad de los Andes.

Ernesto Soto
(Bogotá, 1990)

Soto pinta montañas de nieve, o rocosas, o con pinos verdes. También tiene una cancha de fútbol, una de golf y una garza a la orilla de un lago. Por lo general evita el cielo en sus paisajes cortándolo, trabaja más planos cerrados. Salta de colores vivos a colores tierra. Trabaja con medios tradicionales, pinta con óleo o pastel, y sus soportes varían entre el lienzo, la madera y el papel. Además de pintar, busca involucrarse en proyectos de investigación y de escritura sobre historia del arte.

Ernesto Soto se graduó como artista plástico e historiador del arte de la Universidad de los Andes. En2014 recibió el reconocimiento de tesis meritoria por su proyecto de grado Donde ocurre la pintura, y un año más tarde fue nominado al Premio Otto de Greiff a los mejores trabajos de grado con su obra titulada Celaje.

Ha participado en diferentes exposiciones colectivas e individuales como “Yare, Yare, Yare”, en la galería 12:00 (Bogotá, 2017); “Pintura abstracta”, en la galería El Garaje (2017); “Nada será como antes, sigue brillando…”, en el pabellón Artecámara de Artbo (2015), y “Vecindad” en la Galería Santa Fe (2014), entre otras.