Territorio de artistas: los caminos del arte urbano en el Eje Cafetero

El maestro Pedro Nel Gómez, ícono indiscutible del muralismo en Colombia, afirmaba que había que llenar las paredes con la realidad de este país, pues dicha realidad era, en sus palabras, de un volumen extraordinario, casi fabuloso. Esta lección parece haber calado, incluso sin saberlo, en los jóvenes del colectivo Verde Color Café, quienes, ajenos a la tradición pero inmersos en la esencia, encontraron en el muralismo la mejor manera de plasmar su visión en el paisaje urbano que embellece las calles de Chinchiná. 

No fue hasta hace muy poco que Juan Camilo se aventuró en el gran formato, y ha sido de la mano de Muerto, gestor principal del proyecto, que aprendió a moverse en este terreno. Confiesa que en un principio deseaba dibujar un camaleón, pero terminó creando una iguana, sonríe con una mezcla de resignación y orgullo. Este es uno de sus primeros procesos en el colectivo, y para él, el muralismo ha sido una especie de salvación. "El muralismo me ha desintoxicado", admite con una franqueza inusual. 

La parte del mural que le corresponde a Muerto parece estar apenas emergiendo de la pared, como si sus formas se resistieran aún a revelarse sobre el grupo de palabras que la acompaña: "La iguana tomaba café”. “Hemos empezado a añadir texto porque esto le da dinamismo al mural” explica, mientras recalca que los muros son leídos de un vistazo. Muerto cuenta que han experimentado con otros animales como zarigüeyas o armadillos, siempre buscando una conexión entre el arte y el entorno. Cada ejercicio es un paso más en la búsqueda de cómo apropiarse de los símbolos locales, es una reinvención constante del paisaje urbano.

Muerto es el coordinador, el rostro visible de Verde Color Café. Para él, el muralismo va más allá de simplemente pintar; para que el proceso sea exitoso, es fundamental entender las dinámicas de gestión que hay detrás de cada obra. Es vital saber cómo conectar con las instituciones, con las entidades del departamento, y con los habitantes

Mientras hablamos, menciona al Quindío como un modelo a seguir, sopesa levemente y luego continúa: "La gente allá es más organizada porque el turismo impulsa la cultura". Sin embargo, también señala cómo Bogotá, con su enorme maquinaria cultural, tiende a borrar del mapa a las regiones más pequeñas. "Allá la alcaldía distrital pone mucha plata, es demasiada gente", reflexiona. Lo mismo ocurre en Medellín y Cali, donde las dinámicas del arte urbano están bien impulsadas por la magnitud de los recursos.

Me habla desde su perspectiva de gestor, midiendo cada palabra con cautela. Le pregunto sobre la temática de la biodiversidad, elemento común dentro de la narrativa paisajística del mural en el eje cafetero. Entonces recurre a explicar la “pajarificación”, concepto que usa para referirse a la obsesión por pintar aves en los muros de Colombia. La primera vez que pintaron el muro actual, invitaron a ocho grafiteros de Manizales. Vinieron con sus aerosoles, llenaron la pared de grafitis, y las quejas no tardaron en llegar. Una semana después, en una cancha cercana, se pintaron unos pájaros, y estos sí fueron bien recibidos por la comunidad. 

Admite que aquellos eran tiempos de inexperiencia; los artistas eran novatos, y todo lo que se hizo en esa época se reinterpretó al conversar con la gente.

Para darle vida a un mural se necesita partir de una cuadrícula. Todo comienza con líneas de apariencia desordenada para el ojo primerizo. Desde allí la imagen se va formando, capa sobre capa, sobreponiéndose a sí misma gracias a la maestría del artista. "Lo que uno hace es ir encuadrando", comentaba Muerto. Primero se aplican los colores base, después vienen los detalles, las luces, las sombras, y poco a poco, el mural toma forma. Es un proceso que transforma el desorden en estructura, lo caótico en arte.

En Pereira llegamos a uno de los rincones más recónditos de la ciudad, en la comuna Perla del Otún, en el corazón de Cuba. Nuestra primera parada nos recibe con un mural imponente, obra de Raws, estudiante de artes visuales. La magnitud de su creación es tan fabulosa como inesperada, una mezcla de color que captura toda la atención del espacio. La intervención forma parte de una convocatoria dirigida a las 19 comunas de Pereira.

En la obra de Raws, destaca una figura femenina acostada que evoca el alma de Pereira; es una bailarina atenta, vigilante. A su lado, una cafetera recoge los granos que nutren la tierra. Colibríes y otras aves representativas del Eje Cafetero revolotean sobre un fondo de vinilo que se aplica meticulosamente. "Me encanta el color", dice Raws, mientras describe su técnica. Aunque él solo dibujó, pues toda la comuna se involucró en la pintura.

El proceso no cambia mucho cuando el arte se entrelaza con la academia. Artedwin, profesor de artes visuales en la Universidad del Quindío, dio los primeros pasos en el muralismo en Santander, su tierra natal. Como muchos otros, ha encontrado en el colectivismo artístico un espacio fértil para crecer. Al igual que Raws, Artedwin se ha beneficiado de los festivales y convocatorias, que no solo le han permitido exhibir su arte, sino que también lo han dotado de materiales y oportunidades creativas.

Su trayectoria lo ha llevado a participar en La Ferro, organizado por la comuna del Ferrocarril, y Píntelas que yo se las coloreo, un proyecto en Puerto Caldas enfocado en la transformación de fachadas y el involucramiento comunitario. Artedwin cuenta entre risas que uno de sus últimos trabajos fue un mural de la familia de Gokú. Aunque es docente a tiempo completo, dedica sus momentos libres a lo que considera su propuesta artística personal: el muralismo.

La relación de Artedwin con el arte es profundamente personal, anclada en sus raíces campesinas. Sus abuelos son de Chipatá, un pequeño pueblo en el sur de Santander, y recuerda con cariño las tardes de infancia, cuando paseaba entre los terneros o se perdía en los huertos. Esa conexión con la naturaleza ha influido en su práctica artística, un vínculo que encuentra eco en los paisajes del Eje Cafetero. Como muchos de sus colegas, Artedwin se siente atraído por la fauna y la flora de la región, pero confiesa que su verdadera fascinación es la figura humana. A lo largo de los años, ha investigado profundamente el cuerpo humano y disfruta integrarlo en los paisajes que pinta, buscando un balance entre lo natural y lo humano.

En uno de sus trabajos más significativos, Otis se inspira en La Vorágine, esa obra cumbre de la literatura colombiana. "Represento a los dos personajes principales, Arturo Cova y Alicia, quienes, en su intento de vivir su amor, deben huir a la selva, donde descubren la violencia y la esclavitud". Sin embargo, lo que destaca en su interpretación es un cráneo que ocupa el centro de la escena, un símbolo crudo y llamativo de la fuerza destructiva de la naturaleza, pero también de la vulnerabilidad humana frente a ella. Para Otis, el mural es una reflexión sobre la admiración y el temor que la selva inspira, su belleza salvaje y la capacidad de devorar todo a su paso.

Arturo Volátil, otro muralista muy relacionado con el arte urbano en Manizales, otorga gran importancia a la simbología del fuego, utilizándolo como una metáfora de transformación y transmutación espiritual. Este elemento, recurrente en su obra refleja su interés por transmitir mensajes de cambio y evolución. Además, incorpora figuras de niños personificando elementos naturales, como el agua, para resaltar la conexión entre la humanidad y la naturaleza.
La creación de un mural implica una serie de decisiones conscientes sobre temática, color y composición, que reflejan el crecimiento y la introspección del artista. Volátil, por ejemplo, utiliza colores como el azul y el blanco para evocar el agua y la lluvia, elementos significativos en su trabajo. Asimismo, la inclusión de especies como la golondrina en sus murales simboliza el mestizaje y la peregrinación, temas que para él resuenan en la historia de Manizales.

En esa misma dirección, al enfrentarse a un muro, el proceso creativo del artista pereirano Piolo comienza de manera contemplativa. Su proceso lo protagonizan los ojos de sus personajes, es su sello personal. Al momento de crear observa el espacio, analiza el contexto, y poco a poco, las ideas vienen. Este enfoque le permite vincular su obra con el lugar y sus habitantes.

En Armenia, el pulso de las cosas es diferente. Al llegar a un barrio aledaño al terminal, el calor de la mañana nos abraza con fuerza. Me detengo a esperar. Ante mis ojos se despliegan tres o cuatro murales, testimonios de un arte que se hace desde las calles.  Nos sentamos en una pequeña tienda, buscando algo de sombra mientras el calor sigue imponiéndose, implacable. Frente a mí están Juan Bernal y Viviana Ramírez. Su actitud es relajada, incluso distraída por momentos. Son las mentes inquietas detrás de Lisérgico, el colectivo que ha dado vida a festivales como La Toma, dirigido a población de excombatientes y El Mero Poder, festival de talla internacional que rinde honor al arte urbano en el Quindío. 

El Mero Poder, estandarte de su colectivo, nació del gusto por lo urbano y del deseo de llenar una ciudad que, en ese entonces, tenía poco graffiti. "Fue una decisión de querer ver la ciudad rayada", recuerda Juan. Lo que comenzó como un impulso espontáneo escaló hasta convertirse en un festival con componentes pedagógicos y culturales. 
El verdadero motor detrás de Lisérgico ha sido siempre la necesidad de ofrecer espacios alternativos de comunicación. Armenia, carente de una movida cultural y gráfica consolidada, requería un impulso. En un principio, la inquietud se centraba en intervenir los lugares más turísticos y céntricos, en pintar los muros más visibles. Sin embargo, pronto descubrieron que esa visibilidad no garantizaba ni la permanencia de las obras ni el apoyo de la comunidad. "Encontramos mucho más respaldo en los colegios y en los barrios", recuerdan. Los beneficios en términos de permanencia son evidentes.

Detrás de todos estos procesos del muralismo en el Eje Cafetero, una cosa es clara: la visibilidad, la trayectoria y la perdurabilidad de los trabajos se construye por medio del trabajo comunitario. Ahí donde la flora y la fauna se pintan con las manos de los artistas locales y los habitantes de los barrios, surge la fuerza de una escena que ha hecho camino pintando siempre a muchas manos. Y de eso fueron y son testigos también los que siguen abriendo espacios en cada pueblo y en cada vereda.

Rodar es un artista joven, santarrosano, con una trayectoria que lo ha llevado a convertirse en una figura emblemática del arte urbano, el graffiti y el muralismo. Rodar es conocido por unificar y dar a conocer la escena en Santa Rosa de Cabal, un pueblo conocido mayormente por su atractivo turístico, pero que con el tiempo se ha  mostrado al mundo también como un "Museo a Cielo Abierto", proyecto que refiere a una red de murales distribuidos por todo el pueblo, pensados para visibilizar a los artistas locales y enriquecer la vida cultural del lugar.

Al principio, tras varios años en la escena, Rodar decidió abrir puertas para el muralismo en el municipio: organizó talleres, eventos de graffiti y tomas de pintura, atrayendo a artistas de Manizales, Chinchiná y Pereira. Así, Santa Rosa empezó a emerger como un foco artístico, un lugar donde el arte no solo era bienvenido, sino celebrado. Antes de dedicarse al muralismo, Rodar ya estaba inmerso en el naturalismo. Su mensaje, tanto en su vida como en su arte, ha sido siempre el mismo: comunicar lo natural. En sus murales, animales oníricos habitan paisajes llenos de magia, atrayendo al espectador con sus colores y misteriosa presencia. Con el paso del tiempo, ha ido perfeccionando su propio lenguaje visual, una gráfica que entrelaza lo natural con lo ancestral.