Los 10 de Arte Joven 2024. Día 10: Alejandro Sintura

La aproximación de Alejandro Sintura al trabajo pictórico está tan situada en el aquí y ahora del proceso como en la conciencia de sus diálogos con el entorno, con su interioridad y con las voces de otros artistas: “Mis pinturas son evocativas más que descriptivas, y se mueven entre los límites de lo oculto y lo visible, lo vacío y lo lleno. Muchas veces, no se sabe si algo está pintado o no; ese estado de presentimiento de creer ver algo es suficiente para que exista”, afirma el artista.

Estas reflexiones se han decantado a lo largo de ocho años explorando con disciplina este medio. A lo largo de este tiempo ha participado en exposiciones colectivas en la Galleri Magnus Karlsson, en Suecia; la Gallería Monti 8, en Italia; la Warbling Collective, en Reino Unido; al igual que SGR Galería y SN Macarena, en Bogotá. En muestras recientes, ha dado algunos pasos desde la pintura para tentar caminos en los que aparecen otros medios y materiales como el papel y la gráfica. 

En todas estas muestras, la constante ha sido la observación y la recreación de un paisaje. Aunque ello pueda sugerir un ejercicio figurativo de apropiación de un entorno, en el caso de Sintura y de varios pintores de su generación –entre los que también podrían contarse Anna Mosseri y Juan Rodríguez Varón–, el afuera es un tránsito, los lugares representados o imaginados operan como una suerte de portal que nos conduce al interior muchas veces inquietante del artista y de nosotros mismos. En palabras de Sintura: “las pinturas son lagunas, son superficies que reflejan luz, su interioridad está cargada de materia, pero expulsan reflejos que hablan de un espacio que no contienen en su interior”.

La obra con la cual el artista bogotano participa en esta edición del Premio Arte Joven se titula Geranios y conejos. En ella están presentes elementos recurrentes de sus procesos previos como una ventana abierta a la naturaleza, una delimitación de lo esencial y una búsqueda clara de la expresividad. Sin embargo, la escala más grande de lo habitual y con una figura humana protagónica –con un particular encuadre que deja la parte superior del cuerpo fuera del plano–, así como el horizonte abierto a la ficción constituyen una excepción respecto a su cuerpo de trabajo anterior. 

El artista reconoce en esta obra reciente la referencia a grabados japoneses de principios del siglo XX. Los planos improbables y el juego con la profundidad nutren esta escena cotidiana con un aura que evoca al tiempo serenidad e incomodidad; una especie de invitación a dar pasos más allá, eludiendo el centro para descubrir lo que está, o no, en el fondo, en la calma y en la oscuridad interiores.

¿De qué manera un conjunto de materiales distribuidos armónicamente resignifican un espacio? ¿En qué punto este lugar físico adquiere connotaciones familiares, incluso sin presencias humanas, y empieza a tomar la forma de un hogar?

Como parte de la investigación “En busca del espacio-hogar”, la obra titulada Prototipo de ventanal con ladrillos de vidrio sintetiza las búsquedas formales que han acompañado desde sus inicios en la pintura al artista antioqueño Dámaxo Henao Salazar y pone a prueba los límites bidimensionales de este medio para interrogarnos sobre los espacios interiores y exteriores y el espectro de sensaciones que se vinculan con ellos. 

Este ejercicio de pintura escultórica e instalativa rinde homenaje a la arquitectura, pero, al poner el acento sobre los materiales, se relaciona de manera más directa con el momento de la construcción: una pared que se levanta, una ventana que se abre. En esa medida, cada uno de los 35 lienzos de 16x16 es a la vez pintura, ladrillo y ventana. Dámaxo los dispone en una retícula cuyos intersticios sugieren marcos, mientras que la pincelada suave en tonos azules y verdes anuncia un afuera, como si los cuadros abrieran la pared de la galería y nos permitieran asomarnos a la vegetación exterior bañada de luz.

Los azulejos y ventanales han ocupado la atención del artista desde la serie de dibujos “Plano y volumen” y recobraron vigencia tras un viaje de Dámaxo a São Paulo. La observación de vitrales, columnas redondeadas y materiales propios de la arquitectura brasileña inspiraron una recopilación de elementos similares, recurrentes en la construcción en Medellín. 

Al regresar, Dámaxo retoma el camino hacia la construcción de una casa propia levantada con pinturas que son ventanales, columnas, puertas, zócalos y rejillas. Una construcción blanda, hecha de materias sutiles y cargada con la sensibilidad de los espacios significativos que le ha revelado el acto paciente de observación, exploración y creación a través de una pintura que él define como “figurativa y del silencio”.

La iconografía cristiana suele estar presente en los contextos domésticos más diversos de la geografía colombiana. Independientemente de distinciones culturales reflejadas en elementos idiosincrásicos que cambian de la zona andina a las costas o de las islas al sur del país, las representaciones de vírgenes, santos y cristos rompen las fronteras regionales y presiden las áreas comunes de los hogares en un binomio vinculante entre familia y religión. 

Las dos fotografías que conforman el díptico Divinización, del artista sucreño Pedro Martínez Luna, se adentran en el ámbito familiar de la región Caribe y abordan la dimensión religiosa a través de la luz. Esta obra se inscribe en un proceso de investigación más amplio titulado "Expedición creativa en el departamento de Sucre". Se trata de una suerte de etnografía estética que llevó al artista a rastrear distintas tradiciones y a evidenciar la representación cristiana como una constante. En el caso de estas dos fotos el contexto visitado es la comunidad de Pajonal, en San Onofre, Sucre.

Al ser miembro de la comunidad Zenú, la inserción de Pedro en el territorio y las interacciones con sus habitantes están atravesadas por un arraigo compartido, por una reflexión identitaria que indaga en lo común y en lo particular, y por el reconocimiento de la historia violenta que ha vivido esta sabana desde los tiempos de la colonia. No es, sin embargo, un retrato documental y mucho menos un relato resignado sobre las diversas formas en las que estos pueblos han sido victimizados, sino una propuesta de transformación desde el diálogo y desde la reinterpretación de las imágenes. En ‘Divinización’, Pedro pone el énfasis sobre lo espiritual para sobreponerse a las carencias, plantea nuevas narrativas de lo negro y lo indígena para reconocerse y proyectarse de un modo distinto, y lleva a cabo una intervención estética transformadora.

En esa búsqueda de transformación de la realidad, La edición digital no busca pasar desapercibida, por el contrario, la marcada exaltación de la luz y las formas otorga protagonismo a la intervención, a la transfiguración. Además de las aureolas agregadas en torno a los rostros, las fotos altamente contrastadas en blanco y negro marcan acentos sobre las pieles y resaltan la expresión valiente, desafiante, al tiempo que desnudan el deterioro físico de los espacios. No es un esfuerzo de aplanar los contrastes, sino una invitación a ver en ellos lo posible, lo que puede surgir en el futuro a partir de un pasado reconocido desde la historia y de un presente capturado por la foto.

Lo doméstico y lo fantástico pertenecen a un espacio común en la obra de Sonnia Yépez. Desde los primeros recuerdos en el garaje de su abuelo, entre “lagunas hechas de charcos de aceite de motor, una cordillera de rines y llantas gigantes, abrazadas por gases y aliento de exosto”, hasta la creación de ‘Cumulo de fe’, la memoria del hogar es moldeada en inusitadas formas y materialidades a partir de un ejercicio de la imaginación.

‘Cúmulo de fe’ es un intento de responder a la pregunta ¿Cómo el fuego teje una alfombra? La indagación parte de una introspección poética que sugiere las formas desde la gravedad, la armonía, los patrones fractales y la investigación en torno a tapetes andinos y su simbología cromática. En cuanto a la materia, la Intención de tejer con fuego hace que la lana y las fibras textiles cedan su espacio a un elemento improbable como la parafina.

En este punto comienza un meticuloso trabajo manual guiado por la intuición y la experiencia. En proyecto anteriores, como Fundidas, Sonnia había hecho exploraciones en torno a la luz utilizando también parafina. El manejo de esta materia maleable abre un diálogo con artesanos, pero también impone el desafío de establecer una relación personal con un insumo tan plástico como impredecible: una demanda simultánea de sensibilidad, disciplina y fé.

“Todas las noches del mundo invoco con la luz de una vela porque las noches se nos han dado para volar”, esta conciencia ritual funciona como un mantra creativo; la plegaria es una instancia de lo artesanal: antes de las manos, la poesía; antes del tejido, el fuego.

En 1933, Junichiro Tanizaki publicó El elogio de la sombra. El ensayo es una sutil reflexión sobre la belleza a partir de aquello que oculta la luz y aquello que revela la oscuridad. Es una invitación a recorrer los espacios con una disposición atenta para contemplar los claroscuros que generan sosiego, las presencias efímeras y las ausencias sólidas. La obra casi homónima de la artista bogotana Sonia Roja sitúa bajo esa misma luz y con esa paciente actitud de observación una serie de elementos que la confrontan con el espacio, pero especialmente con el tiempo y con su medida ineludible: la muerte.

A pesar de estar despojados de vida, los cuerpos que conforman esta instalación están dispuestos de manera que sugieren gestos y conservan movimientos. La rama de eucalipto que preside la obra se va secando y deja caer sus hojas con el paso de los días; la cigarra pende de un hilo y depende de un motor para descender junto a la rama y visitar el exoesqueleto que abandonó al dejar de ser una larva. La luz armoniza los movimientos y enmarca los encuentros. 

Cada uno de estos elementos ha sido hallado en un ejercicio constante y paciente de recorrer la naturaleza. Para la artista esta suerte de arqueología del paisaje es una motivación que suele enlazarse con su memoria personal. La elección de la cigarra, por ejemplo, responde a un episodio de duelo en el cual la muerte y la vida se revelaron a la artista en el mismo momento y lugar. 

Esta conciencia del proceso como parte activa de la creación se ve reflejada en la publicación que la acompaña. Junto a la obra, Sonia crea un complemento editorial de 50 páginas que recorre su proceso creativo, con notas e imágenes del mismo. Es una especie de bitácora encuadernada entre láminas de acero. El peso metálico de este objeto contrasta con la levedad de los elementos orgánicos de ‘Elogio a la sombra’. 

La conjugación entre lo instalativo y lo textual disuelve la frontera entre el proceso y el producto e hila la posibilidad de un ejercicio poético escrito con la luz. Al igual que en la obra de Tanizaki, el espacio cobra vida en función de un segundo trascendente: en palabras de Sonia, “un escenario de despedida, un momento para contemplar el instante después de la tragedia, una especie de ritual a la muerte, al cambio, a la vida”.