Diez joyas de la obra gráfica colombiana

Alejandro Obregón es uno de mis artistas favoritos. Lo creía inalcanzable hasta que un sábado pandémico, cuando más hacía falta salir y gozar del arte, me fui a ver una muestra colectiva que presentaba la Galería El Museo.

Pregunté por el valor de una obra que ya ni recuerdo qué era, solo sé que se trataba de miles de dólares y que, por supuesto, estaba lejísimos de mi bolsillo. Conversando con la asesora que ya me había atendido en anteriores ocasiones y conoce bien mi gusto, me condujo a una serigrafía titulada Nepentes, hecha en los años noventa, numerada 13/100 y firmada ‘Obregón’ en la esquina inferior derecha. La conexión se hizo inmediata cuando me indicaron el precio y supe que iba a acompañarme en mi casa aun cuando tuviera que pagarlo en cuatro cuotas. Desde entonces es mi joya más preciada y lo primero que veo cuando abro el ojo.

“Con Alejandro fuimos muy buenos compinches, cómplices, nos emborrachamos varias veces. Era delicioso trabajar con él porque le metía ímpetu a la cosa, le gustaba. Esa pieza (Nepentes) fue muy bella, de las más bellas de la gráfica que hizo Alejandro. Me emociona mucho hablar de él. Obviamente era un conocedor. De entrada me decía si íbamos a hacer serigrafía, litografía o grabado en metal. Un tipo que sabía lo que quería hacer y qué técnica era la más apropiada para expresarlo”, me dice Luis Ángel Parra, director y fundador de Arte Dos Gráfico, taller que comenzó con María Eugenia Niño hace más de 50 años y por el que han pasado numerosas superestrellas del arte y la literatura. 

Parra es a la vez editor e impresor. Los artistas nunca han llegado a decirle “Luis Ángel, reprodúzcame esto”. Beatriz González y Antonio Caro, entre otros legendarios nombres, fueron a tallar sus planchas, como lo acaba de hacer Alfredo Jaar con su ¿Es usted feliz? “Cada artista trae un problema expresivo distinto. Mi trabajo muchas veces consiste en que a partir de su idea puedo conducirlo al taller de xilografía, en alto relieve, a la aguatinta, a la litografía, a la serigrafía… pero el que dirige, el que manda, el que decide es él. Nosotros (Parra y sus 20 empleados) somos dialogantes e interlocutores”, explica.

En 1998, en un ensayo que Luis Camnitzer tituló El grabado: Una colonia de las artes plásticas, el artista y crítico uruguayo, que tuvo un taller de grabado en Nueva York con sucursal en Lucca, en la toscana italiana, al que todos querían ir a peregrinar, dijo que era increíble que él y sus colegas siguieran usando el barniz asfáltico que utilizaba Rembrandt: “Por algún motivo extraño decidimos frenar nuestra evolución en algún momento del siglo XVIII”. Y es que la impresión digital y el giclée son herramientas que jamás destronarán a técnicas de antaño como la serigrafía, cuya denominación viene de la seda y fue inventada por los chinos hace dos mil años.

Poco después de recorrer el taller Arte Dos Gráfico, visité el Museo de Arte del Tolima y me encontré con una fabulosa exposición colectiva de 15 obras gráficas del acervo de la institución, curada por Cristhian Moreno Galeano, con obras de Beatriz González, Negret, Santiago Cárdenas, Óscar Muñoz, Lucy Tejada y Luis Caballero, entre otros. La exposición, titulada Revisión Histori@Gráfica, me motivó a lanzarme a esta, mi primera curaduría, y presentar en este texto otras nueve obras que bien podrían acompañar a mis Nepentes en una sala de exhibición. 

Esta xilografía, regresando a los lenguajes de los que me hablaba Parra, es una denuncia a los vicios del poder político que grita en mayúsculas los horrores bipartidistas en Colombia. “La Violencia en los cincuenta y sesenta era casi aplastante, era un hecho sumamente contundente, era como un insulto a la gente. Uno no puede deshacerse de lo que tiene adentro, de lo que lo atormenta. El arte es un sistema para comprender la vida, así de transcendental y de importante es”, afirmó Quijano.

“Umberto es un artista que hace su trabajo a partir del entorno social. No es simplemente una representación estética. Está mediado por procesos de inmersión, por la colaboración en comunidades y el conocimiento directo de la realidad. Las problemáticas que representa parten de una cercanía genuina”, me dice José Darío Gutiérrez, director de la galería Espacio El Dorado. A finales de los sesenta, Giangrandi trabajó la serie Espacios vecinos, que surgió de los inquilinatos, donde “vivía toda la gente pobre: el policía, el loco, los desplazados, travestis, prostitutas… Pero también vivía el carpintero. Era una muestra de la sociedad, cosa que realmente me ha conmovido. Había ladrones, policías… todo era muy complejo”, explica el artista. Esta obra, hoy parte de la colección del MoMA, manifiesta su constante interés por el cuerpo, un lugar lleno de marcas de la violencia y la marginalidad.

Dos años antes de que se diera por terminada la guerra presentaron este tríptico que, según escribió el historiador de arte Germán Rubiano Caballero: “Es una obra maestra. Los fotomontajes son excelentes; las imágenes y los colores, severos y dicientes. El terminado estético de estas serigrafías enseña cómo una obra por más política que sea puede estar bien presentada, y sobre todo cumple así efectivamente su objetivo”. La obra fue llevada a Vietnam, país donde hicieron varias ediciones, y con ella participó el Taller 4 Rojo en la Bienal de Venecia de 1972.

Según explicó José Ignacio Roca en el catálogo de la Primera Trienal Poligráfica de San Juan, Barrios propone grabados “fugaces, pues el papel periódico se oxida fácilmente, del mismo modo que circulan en un medio también de naturaleza efímera: los diarios”. Sin embargo, el Grabado popular que publicó Barrios en 2023 en El Espectador, en el marco de la exposición individual La multiplicación de los cuadros, que presentó la Galería El Museo, lo guardo como otra joya. Aunque el papel se oxide entre el vidrio y el marco, es el primer Barrios que ha llegado a mi casa con firma y dedicatoria.

Fuera el imperialismo yanqui condensa de manera directa el compromiso político y estratégico de la artista con el Movimiento Obrero Independiente Revolucionario, al que se había integrado a comienzos de la década del setenta. Producida como litografía en un tiraje de 5.000 ejemplares, la imagen fue presentada en el Salón Nacional de Artistas y distribuida en recorridos territoriales junto a Francisco Mosquera (fundador del MOIR), borrando deliberadamente las fronteras entre arte, propaganda y acción política. Esta obra aprovechó la capacidad del grabado para llegar a un público masivo mientras articulaba la práctica artística con militancia y pedagogía revolucionaria.

En 1974 andaba embelesada con el expresionismo alemán. Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc y el noruego Edvard Munch eran sus referentes. Inspirada en Lady Macbeth, el personaje de Shakespeare, quiso representar una mujer fuerte y “empoderada”, término que utiliza hoy Maripaz para describirla, pero que en esa época no se usaba. Del grabado también la enamoró la posibilidad de hacer la misma obra en diferentes colores. Recurrió a tonos estridentes, le puso un collar de perlas en intaglio y, evocando sus previos trabajos sobre la prostitución, hizo un juego de letras y cambió la th final por d para acabarla de titular como cama en inglés. Aún sin haberse graduado, ganó el primer premio en el XXV Salón Nacional de Artistas con esta obra y debutó en el panorama. Años después se fue a Lucca a aprender fotograbado con Luis Camnitzer. 

“En este letrero el artista realiza un collage de dos ideas que convergen: una real en un contexto amplio que alude a la situación económica nacional modificando el slogan del presidente Alfonso López Michelsen, ‘El mandato claro’, y otra real en un contexto limitado y comprensible dentro del círculo de sus conocedores, que alude a su propio nombre y juega con la idea de que todo tiene un toque de Caro”, explica María Clara Cortés, doctora en Historia y Teoría del Arte de la Universidad Nacional de Colombia. Cortés afirma que es difícil saber cuántas veces se ha impreso porque el mismo Caro no llevaba una contabilidad. En 2019, la extinta revista Don Juan, con la coyuntura de la inflación en el segundo semestre del año y la feria ArtBo, lo reprodujo dentro de sus páginas y el mismo Caro estuvo en Corferias firmando los ejemplares de una multitud (de la que hice parte) como un verdadero rockstar. 

Al ver la imagen pensó en hacer una serigrafía plana, hasta que “de pronto miro que en la parte de arriba de la foto había unas cortinas muy de moda, de colores fuertes”, recordó la maestra durante una visita guiada que realizó en el marco de la exposición retrospectiva que le hizo el Museo de Arte Miguel Urrutia. Se fue a una fábrica de cortinas y se encontró con que el dueño y uno de sus trabajadores compartían el mismo sentimiento hacia Turbay Ayala. Le hicieron la cortina gratis, inauguró la obra en la Galería Garcés Velásquez y hoy, entre otras colecciones, hace parte del acervo del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.

En 2008, con la admiración a dos grandes referentes conceptuales que utilizaron la palabra como herramienta artística —Antonio Caro y Adolfo Bernal— Peña antepuso la A, escogió la tipografía e imprimió dos mil ejemplares en un taller litográfico para la exposición X, una colectiva que organizó la galería Nueveochenta con la temática de obras seriadas. En octubre de 2020, en medio de la reactivación económica tras la cuarentena, Peña lanzó la consigna al espacio público en el muro exterior de la galería Espacio El Dorado y la intervención trajo nuevas capas esta obra. Yo, por mi parte, la tengo adherida a un retablo de madera y colgada frente al escritorio de mi casa, el mismo que soporta el teclado en el que escribo estas líneas.